La magia de Georges Melies
En esos años, los cineastas se encontraban en un estado de feroz competencia entre ellos. Esto los obligó a mejorar sus productos todo el tiempo, para hacerlos más atractivos para el espectador. Los directores intentaron dominar los trucos cinematográficos y al mismo tiempo se enfocaron en el mundo de la feria, así como en el arte del circo, la pantomima y el entretenimiento aeronáutico (tomar fotografías desde globos).
Los cineastas mudos rusos se inspiraron en la obra del destacado maestro francés de la fotografía de acrobacias Georges Méliès (1861-1938). Este innovador e inventor, incansable en inventos, ha dedicado toda su vida al cine. Habiendo establecido una fábrica de cine en su patio trasero, experimentó incansablemente con la cinta en movimiento, llenando las películas con toda una cascada de acrobacias. Recurrió a múltiples exposiciones, dando vida a fantasmas traslúcidos, haciendo que los grabados "cobren vida", personificando artículos del hogar. Los héroes de Méliès supieron disolverse en el aire, flotar sobre el suelo y hacer malabares con sus propias cabezas.
Trabajó en los géneros de extravagancia, cuento de hadas, historia mística. Pero la mayor fama se la llevó el director de la adaptación cinematográfica de Jules Verne. Las películas "Viaje a la luna" y "Viaje a través de lo imposible" se convirtieron en las primeras golosinas del tema espacial en el cine.
Los secretos de algunos de los trucos cinematográficos de Melies no se han revelado hasta el día de hoy. Y las tomas individuales de sus películas se han convertido en símbolos de la época. Los encontramos en las portadas y encuadernaciones de publicaciones modernas de Jules Verne y otros escritores de ciencia ficción. Y en los carteles de películas de la época de Méliès aparecieron imágenes deliberadamente simplificadas de submarinos, globos, cohetes en forma de latas de hierro y planetas con rostros humanos. Esto fue un reflejo de la percepción ingenua del mundo en el que uno puede caminar sobre la luna sin un traje espacial y moverse bajo el agua en un batiscafo sin dispositivos de navegación. Pero el espectador no pensó en eso. Vio cuentos de hadas y admiró las maravillas del cine.
Viaje espacial del Shogun a de Chaumont
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Junto al nombre de Melies, se menciona a otro talentoso director de cine mudo: el español Segundo de Chaumont (1871-1929). Siguió a Méliès para trabajar en películas sobre viajes espaciales.
El talentoso español comenzó como un especialista en colorear películas y logró un gran éxito en esto. Fue un pionero de las películas en color y recibió pedidos de otros directores para el procesamiento en color de películas. Pero luego quedó fascinado por el trabajo del operador, y el joven cineasta, tratando de imitar a Méliès, comenzó a crear una película de acrobacias tras otra. Estaba fascinado por el tema espacial, y en 1908 nació una parodia de la película de Melies "Un viaje a la luna" (Chaumont llamó a la película "Excursión a la luna").
Entre los artilugios favoritos de Chaumont estaba trabajar con sombras contrastantes. Hizo un amplio uso de los logros del teatro de sombras chino y, junto con héroes tridimensionales, creó personajes de silueta en blanco y negro. A Chaumont le gustaban especialmente las imágenes de demonios y las hacía divertidas o aterradoras. Los demonios, diablos y fantasmas estaban densamente poblados en las películas de Chaumont, y los trucos cinematográficos hicieron que estos personajes fueran aún más expresivos. Los personajes podían emerger del vacío, desintegrarse en pedazos y disolverse en el aire, y en ocasiones se convertían en sombras negras.
Experimentos con insectos
Las asombrosas técnicas introducidas en el cine por Melies conquistaron a la audiencia, y es natural que este talentoso director se hiciera ampliamente conocido no solo en Europa Occidental y Estados Unidos, sino también en Rusia. En esos años, las fábricas de películas nacionales competían entre sí y el ingenio era una cualidad muy buscada. La demanda de personas creativas que pudieran decir lo que piensan en el campo de la fotografía de acrobacias fue muy alta.
Vladislav Aleksandrovich Starevich (1882-1965) resultó ser una de esas personas. Mientras estudiaba en el gimnasio, Vladislav se interesó por la entomología y aprendió mucho sobre la vida de los insectos. Después de graduarse de la escuela secundaria, el futuro director trabajó como fotógrafo y al mismo tiempo se mostró como un artista talentoso.
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Un buen día, Vladislav decidió filmar cintas sobre insectos. En ellos, su don como director de fotografía se materializó plenamente. Por ejemplo, utilizó el método de la fotografía a intervalos, logrando la ilusión de movimiento de escarabajos, libélulas y mariposas. Estas cintas sorprendieron a la audiencia. El público se acostumbró a la cinematografía dibujada y, de repente, aparece un tipo de cinematografía completamente nuevo. Si las imágenes dibujadas por el artista pueden moverse en la pantalla, ¿por qué no se pueden mover cosas, peluches y "modelos" de escarabajos? Y Starevich desplegó en la pantalla de cine tipos de movimiento hasta ahora inusuales: la dinámica de los modelos de juego (es difícil llamar a los escarabajos artificiales marionetas o muñecas).
Al principio, Starevich intentó hacer películas con insectos reales, pero, desafortunadamente, resultaron ser malos actores y no cedieron al entrenamiento. Al director le encantaría trabajar con escarabajos reales, pero no podían hacer frente a la cámara lo que quería el director. Tuve que hacer "modelos" y trabajar con ellos. La ilusión fue asombrosa. Los espectadores confundieron los insectos animados con insectos reales.
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Guerra del barbo con el ciervo
Starevich dominó rápidamente las técnicas de la fotografía de acrobacias. Combinó la credibilidad científica de las imágenes de insectos con una interpretación humorística de los personajes. La famosa Fábrica de Cine de Khanzhonkov se convirtió en la base de su trabajo.
En 1912, Starevich creó la película "Bella Lucanida, o la guerra del barbo con el ciervo". En la pantalla, estallaron batallas por la hermosa esposa del rey de los escarabajos. El comportamiento de los insectos en el encuadre es realista, el espectador creía lo que estaba sucediendo. Fue la primera película de batalla de títeres en la historia del cine. La batalla de los escarabajos hoy parece algo arcaica, pero no hay duda de que esta batalla épica fue organizada por un hombre con una rica imaginación. La cinta permaneció en la taquilla después de 1917, encontrándose en demanda durante la era soviética.
Después de la revolución, Starevich terminó en Francia. Continuó haciendo películas y dirigiendo acrobacias, la más famosa de las cuales fue la película "Reinecke-fox" (basada en la obra de Goethe). Y aunque la película se convirtió en sonido, el zorro de Starevich expresó mucho en el lenguaje de los gestos y las expresiones faciales. Los artilugios del cine mudo permanecieron en el arsenal del famoso maestro de trucos hasta el final de su carrera.
Modelos del futuro
En 1927, el famoso director de cine alemán Fritz Lang estrenó la película Metrópolis, que mostraba la ciudad del futuro con sorprendentes contrastes entre la vida de ricos y pobres. Enormes estructuras verticales estaban adyacentes a las arterias de transporte ubicadas en varios niveles. La audiencia se preguntó cómo se hizo esto. Después de todo, la sensación de credibilidad fue asombrosa.
La ciudad fue filmada usando maquetas. El movimiento de los coches de juguete a lo largo de las carreteras se registró en la cinta utilizando el método de fotografía a intervalos. Al mismo tiempo, un truco importante del director fue el uso de muchos espejos, gracias a lo cual los fragmentos de los modelos se duplicaron y cuadriplicaron. A pesar de que el uso de espejos abarata el proceso de producción, esta cinta se convirtió en la más cara de la historia del cine mudo en Alemania.
Otro modelo del futuro que exigió el mayor ingenio de los cineastas fue la película Aelita de Yakov Protazanov. Es difícil creer que han pasado más de 90 años desde el lanzamiento de esta cinta. Protazanov se ha consolidado como uno de los mayores directores de cine mudo ruso. Experimentó audazmente con un cambio brusco en tomas de primer plano y de tamaño medio y fue casi el primero en utilizar trucos cinematográficos que anticipaban el surrealismo: en la película "La reina de espadas" reflejaba la locura de Hermann a través de una pesadilla en forma de un terrible entrelazamiento de cuerdas.
Aelita
Durante el período soviético, Protazanov no bajó el listón alto y continuó creando obras maestras, sin embargo, con la llegada del sonido, puso esperanzas especiales en las técnicas de imagen y cámara.
La historia de la mujer marciana Aelita y el levantamiento en Marte se convirtió en la película más famosa del director, que influyó no solo en la ficción espacial doméstica, sino también mundial. Esta innovadora película atrajo de inmediato la atención no solo de los espectadores, sino también de los maestros de las artes decorativas y aplicadas. El decorador se enfrentó a una tarea importante e interesante: reproducir el "entorno de objetos" marciano.
El director comenzó a utilizar audazmente las técnicas del arte futurista. La artista Alexandra Exter tuvo que crear un disfraz para la mujer marciana - Aelita (así como para otros personajes de esta extraordinaria película). Un hermoso tocado, del que divergían varillas afiladas que parecían rayos, convirtió a Aelita (la actriz Yulia Solntseva) en una verdadera marciana. Además, se movía de una manera muy inusual. En una época en la que el cine no conocía el sonido, el movimiento escénico y, sobre todo, la plasticidad de las manos, jugó un papel importante. Aelita hizo movimientos bruscos e inusuales, y este fue otro hallazgo atrevido.
La película de Protazanov no fue la primera película del mundo sobre la vida espacial. Pero se convirtió en la primera película de ficción espacial de larga duración. "Aelita" es considerada una obra maestra del cine de ciencia ficción.
Revista: Secretos del siglo XX №27, Andrey Dyachenko
